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配资服务平台西方绘画以 “目视” 为主要方式

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中国画是中国人的原创

欧美都没有原创的绘画

中国画，作为中华民族独树一帜的绘画艺术，其起源可追溯至遥远的战国时期。彼时，《人物龙凤帛画》与《人物御龙帛画》等佳作已然问世，历经悠悠岁月，距今约 2300 年之久。这些早期画作以毛笔为笔端，蘸取水墨，凭借线条勾勒，在绢帛之上点染淡彩，绘制而成。

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而后，绘画的载体虽逐渐拓展至绢与纸，但毛笔、水墨、淡彩的运用始终一脉相承，延续至今，从未间断。

中国画不仅在创作上独具匠心，其技法更是华夏民族的智慧结晶，属于中国人的独创。不仅如此，绘画所采用的材料，如绢帛、纸张、笔墨、颜料等，亦皆是中国人的原创成果，与外来因素毫无关联。

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与之形成鲜明对比的是，欧美地区并无原创绘画。以油画为例，其最初由古希腊人所创，直至较晚时期才传至欧洲核心区域，并为欧洲人所接纳。若从原创角度考量，严格来说，它应被称作 “古希腊画”，而不宜以英国画、法国画、德国画、意大利画等冠名，更不能统称欧洲画，至于美国画，就更无从谈起了。当然，美国与欧洲确实存在绘画作品，然而，这些画作皆由当地之人创作，其原创源头实则为古希腊。

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但如今，古希腊这一古老国度已不复存在。由此可见，“中国画” 实乃世界上独一无二、由中国人原创的绘画艺术形式。

西方绘画，通常以 “paint” 统称。而中国绘画则呈现出更为丰富的分类，包含民间画、画家画以及文人画等。尤其是文人画，具有独特的艺术风貌。在文人画作品上，创作者不仅会题诗题文，还会钤盖印章。

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更为独特的是，后世的文人、画家乃至名人，皆可在同一张画作上题字盖印，甚至可以另加纸张题写诗文，而后与原画一同装裱。如此一来，后人在欣赏画作时，能够感受到其丰富的文化内涵与历史韵味，每一次观赏都仿佛开启一场穿越时空的对话，意趣无穷。反观欧美的绘画，却难以做到这一点。许多欧美收藏家和研究家对此深感遗憾。

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中国画是哲学的“神遇”

西方画是科学的“目视”

中西绘画之间存在诸多差异，而其中最为关键且根本的区别，便在于 “目视” 与 “神遇” 这两种截然不同的审美与创作方式。

传统意义上，中西绘画在诸多方面都展现出明显区别，然而追根溯源，西方绘画以 “目视” 为主要方式，中国画则以 “神遇” 为核心路径，此乃二者最为本质的不同。西方学者指出西方画具有科学性，中国画蕴含哲学性，此观点可谓切中要害。

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所谓 “目视”，即凭借眼睛去观察外界事物；而 “神遇”，则是用心神去感悟、思索。当然，西方绘画虽以 “目视” 为主，但并非完全摒弃 “神遇”；中国画同样需先通过眼睛观察，不过重点在于 “神遇”。

在西方人的观念里，玫瑰花堪称最美之物，其花朵鲜艳硕大，叶片翠绿肥厚。因此，在表达爱意时，人们常常选择赠送玫瑰花予情人，原因便在于其外观视觉上的美感。

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与之相对，中国文人却认为石头、梅、兰、竹、菊才是最美的，其中梅、兰、竹、菊更被尊称为 “四君子”。宋朝文人米芾，见到石头便会行下拜之礼。石头之美究竟体现在何处呢？石头独立自在，不依赖他物，无论外界环境冷热，都始终保持自身形态。这寓意着做人应当秉持独立精神，不攀附势力，不拉帮结派。无论他人身处高位、权势煊赫，还是门庭冷落，自己都能坚守本心，做到宠辱不惊。正如《周易》中反复提及的 “介于石”，意即要如石头般耿介正直。

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石头所具备的这种高尚品德，正是人们所推崇与需要的，故而中国人喜爱石头，古人亦常言 “士无石则不雅”。中国的文人画家，大多热衷于描绘石头。梅花虽花朵小巧，且缺乏绿叶衬托，从视觉直观上远不及玫瑰娇艳，但它却能在寒冬中独自绽放，展现出不畏风雪、抵御严寒的坚韧精神；兰花质朴无华，却香气四溢，即便生长于深山僻壤，无人欣赏，依然默默散发芬芳；竹子刚直有节且虚心，在中国文化里，“虚心” 与 “谦虚” 同义，所谓 “未出土时先有节，至凌云处仍虚心”，竹节与人应有的气节之 “节” 意义相同；一般花卉多在春天盛开，入秋便凋零，若秋天缺少菊花，那着实会令人兴味索然。

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而菊花偏偏在秋季绽放，当其他花朵纷纷凋谢时，它却独自盛开，这种不随波逐流、反潮流的精神令人赞赏。正因如此，这四种植物被赋予 “四君子” 的美誉。

石头、梅、兰、竹、菊之美，并非单纯依靠视觉感知，而是要通过人的心神去领会，借助哲学层面的分析，感受其所蕴含的君子人格力量，方能体悟到它们的独特魅力。

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中国画特有的辋川图、雅集图、潇湘八景等题材IP，集中体现了中国画“天人合一”的哲学意境与人文精神。辋川图以王维隐居的辋川别业为蓝本，通过山水亭榭的布局构建“可游可居”的禅意空间，如《仇英辋川十景图》中竹里馆月夜抚琴、鹿柴麋鹿呦鸣的场景，将自然之境与文人心境相融合，展现道家隐逸超脱的宇宙观。雅集图则聚焦文人聚会场景，如兰亭雅集、西园雅集等，通过《江参水阁雅集图》等作品中人物与环境的互动，以“传神”笔法捕捉高士弈棋流觞的意态萧然，既彰显儒家“明德向善”的群体伦理，又暗含“畅神悟道”的个体精神追求。

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潇湘八景更以地域文化升华审美意象：董源《潇湘图》、《南宋王洪潇湘八景图卷》以“江河浩荡、云蒸霞蔚”的笔墨语言，融楚文化的神秘浪漫与“平淡天真”的禅意于一体，其朦胧清幽的意境既承载家国情怀，又通过“计白当黑”的虚实处理，实现物我合一的诗意栖居。三者均以“气韵生动”为内核，辋川之空寂、雅集之逸趣、潇湘之苍茫，皆以线条皴擦与留白技法凝练“生命节律”，使画面超越形似而直抵“情景交融”的永恒境界，最终在儒道释融合的哲学基底上，构筑起中华文明特有的精神原乡。

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由此可见，对于美丑的评判，西方人侧重于 “目视”，而中国人更倾向于 “神遇”。在中国文化语境中，单纯依靠眼睛观察的 “目” 被称作 “陋目”。因为眼睛只能捕捉到物象的表面特征，而物象的内在含义、其所关联的哲学意义以及人格修养等深层次内容，仅靠眼睛是无法触及的，唯有依靠心神去感悟，即 “神遇”。

接下来，我们从绘画的构成因素层面进行探讨。

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西方绘画由于以 “目视” 为导向，故而极为注重色彩之美，追求色彩的丰富性，力求固有色、光色、环境色等各方面都符合科学原理，并且要在丰富的色彩中实现和谐统一。而中国画受道家思想影响，并不推崇过多色彩。

如前文所述，道家秉持 “五色乱目”（《庄子》语）、“五色令人目盲”（《老子》语）、“朴素而天下莫能与之争美”（《老子》语）、“玄之又玄，众妙之门”（《老子》语）等观念。这里的 “玄” 指黑色，被视为万物之母色。

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所以，中国画以水墨为主要表现形式，墨色为黑，正是母色。所谓 “墨分五色”，唯有玄、母之色才能变化出丰富层次。中国画运用墨色，追求在统一之中展现丰富变化。虽看似只是单一墨色，但实则变化万千、内涵深邃。其中，眼睛能够直观看到的是墨色在干、湿、浓、淡方面的变化，然而其内在更为精妙的变化，唯有具备深厚学养之人方能感受，外行或是学养浅薄者往往难以察觉。反观西洋画的色彩，普通人仅凭肉眼便能清晰辨别。

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所以，西方绘画着重追求形式美、色彩美以及视觉冲击力，而这些形式、色彩与视觉感受，皆源自 “目视”。

即便在文艺复兴时期，那些大师们创作的油画，笔触细腻、描绘真切，其目的同样是为了愉悦观者的眼睛。

（待续）

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